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밤의 진공       이재헌  



 1. 꽃밭 속의 형상 figure in the garden oil on canvas 190x150cm  2015.jpg

꽃밭 속의 형상 figure in the garden_캔버스에 유채_190×150cm_2015

연희동 플레이스막은 4월 7일(토)부터 4월 28일(토)까지 이재헌 작가의 미발표작과 신작을 포함한 15여점의 회화로 구성된 밤의 진공 展을 연다.  미술의 다양한 매체들 중에 회화는 아마도 인간의 내면이 가장 잘 표현되는 매체일 것이다. 그 작품이 구상이든, 추상이든 또는 모노크롬이든 캔버스안에서 만들어진 선과 면, 그리고 오묘한 색감은 보는 이의 시선을 한순간에 사로잡기도 하고 내면 깊숙한 곳에 알 수 없는 동요를 일으키기도 한다.  이재헌 작가는 회화를 통해 동시대 우리가 가진 고민과 여러 감정들을 내밀하게 표현하고, 더 나아가 인간 실존에 대한 탐구를 꾸준하게 그리고 진지한 태도로 수행해 왔다.  '그리고, 지우는' 반복적인 붓질은 그의 독특한 표현기법이다. 작가는 자신이 그린 그림의 특정 형상을 붓으로 지우는 반복적인 수행을 통해 지워진 형상을 만들어낸다. 지우는 행위를 통해 최초의 형태는 서서히 사라지지만 종국엔 역설적으로 강한 존재감으로 환원된다. 그의 반복적 붓질은 지워가며(부정) 동시에 채워가는 지양(aufheben)의 과정이다. 작가는 이러한 변증법적 과정을 통해 지워진 형태에 속성을 부여하려 한다.  그는 '붓질은 확신이고 지우는 것은 의심'이라고 말한다. 그에게 그리는 행위는 오감을 통해 세상을 인식하는 과정이다. 그리고 지우는 행위는 인식된 세계에 대한 의심이다. 작가는 인식된 세계를 의심하는 것으로부터 실존에 가까이 접근할 수 있다고 믿는다. 시각에 의존한 인간의 신체는 빛이 없는 어둠 속에서 지각하지 못하는 것들이 많다. 작가는 보이지 않는 '밤' 그리고 부재의 공간인 '진공'을 세계의 본질이 존재하는 곳으로 규정한다.  작가가 말하는 '밤의 진공으로 향한 반복된 여행'은 암흑과 같은 세계를 더 자세히 보려 함이요, 밤의 진공 속에서 오늘날 우리가 가진 고독, 허무, 두려움으로 점철된 인간의 실존적 상태를 규명하기 위함이다. 그는 시각이 아닌 내면의 감각으로 그 세계를 보려고 한다. 그리고 표현하려고 하기 보다는 보이는 것을 지우면서 환원되는 그 본질을 있는 그대로 드러내려고 한다. ■ 송윤섭

 

 

 2. 꽃밭 속의 뷰어 viewer in the garden oil on canvas 190x150cm 2015.jpg

꽃밭 속의 뷰어 viewer in the garden_캔버스에 유채_190×150cm_2015


3. 무제 untitled oil on canvas 112x194cm 2015.jpg

 무제 untitled_캔버스에 유채_112×194cm_2015
부재의 실재 - 대화로서의 그리기 ● 모든 예술 작품의 궁극적인 목적은 대화다. 이재헌은 그리는 사람, 그림으로 대화할 것으로 여겨지는 이다. 촘촘히 이어지던 전시들이 2013년 이 후 끊긴 것은 더 이상 전할 이야기가 없거나, 다른 방법으로 전하고자 했기 때문일 것이다. 고전적인 의미에서의 '그리기'에 충실한 작가를 만나는 반가움과 더불어 '작가라기 보다는 화가'라 자칭하는 이와의 만남이 고마우면서 동시에 그런 이가 오랫동안 침잠하고 있었다는 사실이 안타까웠다. 도로변, 볕이 좋은 그의 작업실이 토굴처럼 느껴진 것은 그런 이유에서였을 것이다.

4. 꽃밭 속의 형상 figure in the garden oil on canvas 190x150cm 2014-5.jpg

꽃밭 속의 형상 figure in the garden_캔버스에 유채_190×150cm_2014~5

대화의 방향 ● 침잠하는 작가는 애닯다. 이재헌이 지속해온 '그리고, 지우는' 방식의 회화들이 보여질 때마다 지워져 흐릿하게 형태만 남은 사람의 형체가 안쓰러웠던 것은, 당연하게도 그것이 작가의 자화상처럼 여겨졌기 때문이다. (실제로 같은 방식으로 그린 자화상도 볼 수 있었다.) 이유야 어찌됐든 그는 2013년 이후 작품을 외부로 내놓지 않았고, 마치 메아리 같은 대화를 토굴 같은 작업실에서 계속하고 있었다. 내가 내뱉은 말을 내가 듣고, 다시 답을 주는 과정. 그러나 선문답을 주고받는 듯 한 이 과정이 마냥 애닯지만은 않은 것은, 그가 말하는 지우는 붓질이 단순히 지우고 뭉개며 형태를 없애버리는 것이 아니라, 되려 지워진 형태를 명확하게 하는 것처럼 보이기도 하기 때문이다. 실제로 없어진 형태 위에는 여러 겹의 층위가, 시간이 쌓여있지 않은가? 이것이 그가 작업실에서 주고 받은 대화가 의미 없는 혼잣말이 아닌 이유다. 이재헌은 지우는 붓질을 '회의의 붓질'이라 말한 바 있지만, 거듭된 '회의'는 성찰로 거듭날 수 있다. 그러므로 모든 작품 속에 등장하는 흐릿한 형체만 남은 사람은 소멸하는 자아이며 동시에 성찰하는 자아이기도 하다. 작품 속에서 없어진 형태는 되려 단단한 그리기의 반증이 된다.


5. 꽃밭 garden_oil on canvas_190x150cm_2013.jpg

꽃밭 garden_캔버스에 유채_190×150cm_2013

조각 같은 그림 ● 디지털 시대의 소멸하는 자아와 의미만 남은 실존, 실재 같은 단어들은 디지털 자료로만 남은 예전 작업 이미지들과 전시 소식들과 겹쳐져 역설적으로 더 또렷하게 '오늘의 이재헌'을 보여주는 듯 하다. 그러나 깎아내어 형체를 만드는 조각을 공간을 만들어 형체를 드러내는 과정으로 볼 수 있다면, 이재헌의 작업 속에 등장하는 지워져 흐릿한 사람의 형태와 얼굴이 작품 속에서 공간을 만들어, '부재하는 것의 실재' 또는 '비어있는 형태'를 명확히 하는 작업으로 여기는 것도 무리가 아니다. 비어있음으로 실재하는 존재가 된 것이다. ● 흐릿한 사람은 아무 것도 아닌 것으로 부유하는 존재로 읽힐 수 도 있고, 비어있기 때문에 통로로 기능하거나 가능성으로 의의를 찾을 수 있는 존재가 될 수 도 있다. 그러므로 작품 속 흐릿한 사람은 역설과 부조리함으로 존재하는 우리의 초상이다. ■ 함성언